Revista EL JUEVES. Herida por la autocensura

El Jueves, cuyo subtítulo actual es “La revista que sale los miércoles”, es un semanario de humor satírico editado en Barcelona desde 1977, que constituye el último superviviente de las revistas que surgieron en el llamado boom del cómic adulto en España. Dedicada a la crítica de la actualidad, se ha visto implicada en diversos procesos judiciales y polémicas. El símbolo de la revista es un bufón desnudo que aparece tradicionalmente en la cabecera de sus portadas. De forma característica, la portada versa siempre sobre un tema de actualidad candente y es diseñada por alguno de los dibujantes colaboradores de la revista.

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Crítica a muchas instituciones, organizaciones y protagonistas del panorama español e internacional, haciendo especial hincapié en las típicamente conservadoras, como la monarquía española; los partidos políticos de derechas, o la religión católica, presentando series como Martínez el facha, el Obispo Morales o ¡Dios mío! a este respecto. También son clásicas las que inciden en la escatología sexual como Clara… de noche o Puticlub(Fuente: Wikipedia)

El 4 de junio de 2014, los seguidores de la publicación acudieron como cada miércoles a por su revista y se encontraron con la excusa de que un fallo técnico había impedido la distribución de la misma. Pues bien, ¿hay algo peor que la censura? sí: la autocensura. Resulta que 60.000 ejemplares de El Jueves fueron destruidos para que la portada, que la cúpula de RBA consideró censurable, no llegara a los kioskos. Al día siguiente era distribuida una tirada con otra portada diferente a la elegida por el consejo de redacción de El Jueves y aprobada por el grupo RBA al que pertenece la publicación. En la imagen podemos ver ambas portadas, a la izquierda la que finalmente fue publicada y a la derecha la censurada.

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Varios de los dibujantes y colaboradores de El Jueves anunciaron que se iban. No sabían a dónde, pero al menos lo dejaban con la cabeza bien alta. Otros se quedaron, probablemente porque no todo el mundo puede permitirse la dignidad en estos años tan aciagos. No se les puede reprochar nada. Unos y otros, los que se fueron y los que se quedaron, fueron víctimas de un intolerable ataque a la libertad de expresión.

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Desde la Casa Real aseguraron que ellos no habían tenido nada que ver con lo ocurrido; que ni llamaron a nadie ni pidieron que esa portada no llegase a los kioscos. Tras el desastre para la imagen de la Corona provocada por la denuncia ante la Audiencia Nacional por esa otra portada de El Jueves, hecha también por Manel Fontdevila, en la Casa Real llegaron a la conclusión –dicen ellos– de que algunas cosas era mejor no tocarlas. “Por eso no hemos hecho nada ni con El Jueves ni con otras portadas de Mongolia que eran de juzgado de guardia”, afirmaron desde el palacio. Al menos, esa fue su versión de lo que pasó. ¿Por qué razón entonces RBA ordenó destruir el prestigio de la revista junto con los 60.000 ejemplares ya impresos? ¿Fue autocensura o existió alguna mano negra que actuó desde lo alto? Por desgracia, lo que ha pasado en El Jueves no es anecdótico. Sea censura o autocensura, algo muy grave sucede en la prensa en papel española cuando parecen “necesarias” medidas de este tipo contra la libertad de expresión, cuando hay quien todavía cierra la boca a aquellos que quieren manifestar una idea diferente a la de la (supuesta) mayoría.

¿Qué opináis sobre este tipo de intervenciones?

¿Qué os parece la renuncia de los dibujantes?

¿Creéis que ciertas instituciones deberían ser “intocables”?

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Guernica, de Pablo Picasso

guernica

PABLO RUIZ PICASSO

Guernica, 1937

Óleo sobre lienzo

349,3 x 776,6 cm

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Picasso era conocido como un líder de las vanguardias parisinas. Sus obras se dividen en periodos llamados azul, rosa y negro. Azul ( 1901-04 ) donde pintó temas melancólicos en tones azules, Rosa ( 1905 ) donde los temas se suavizaron con una tonalidad rosada y Negro ( 1907-09 ) donde todo era oscuro y también se le llamaba periodo africano. Es a partir de este último periodo que nació el Cubismo.

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La historia del ‘Guernica’ comienza en enero de 1937, cuando el Gobierno de la República encarga a Picasso un gran cuadro para el pabellón español de la Exposición Universal que se celebraría ese año en París. Desde el 1 de mayo, en un ático del número 7 de la parisina rue des Grands Augustins, el malagueño invierte varios días en numerosos esbozos preparatorios (un total de 62) antes de abordar el lienzo en blanco. El 10 de mayo empezó a pintar su gran obra de 349,3 x 776,6 cm.

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Pocos días antes, el 26 de abril, la localidad vasca de Gernika había sido bombardeada y devastada por la Legión Cóndor alemana. Todos los expertos coinciden en que los comentarios populares y las imágenes en blanco y negro que publican los periódicos del ataque indiscriminado sobre la población civil y la devastación de la ciudad dan definitivamente al malagueño el tema para la obra que en esas fechas tiene entre manos.

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Contemplando la obra de derecha a izquierda se puede ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad , que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.

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En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpo de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena.

La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana.

Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico “icono del siglo XX”, símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos.

En una época en la que no existían las redes sociales ni internet, el Guernica consiguió ser conocido por personalidades de toda Europa y EEUU, con lo que su mensaje contra la barbarie de la guerra traspasó nuestras fronteras y se convirtió en un mensaje universal e intemporal.

LAS FALLAS: Crítica satírica de la sociedad.

La falla es un catafalco artístico y satírico que persigue criticar alguna conducta social, amorosa, política, etc. de la sociedad actual.

Antorchas, hogueras, peleles y entablados, durante mucho tiempo recibieron el nombre de fallas, pero progresivamente se fue restringiendo el uso de esta denominación para referirse a las piras satíricas, es decir, a aquellas que sobre un tablado exponían a la vergüenza pública los vicios o prejuicios imperantes.

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Son unos peculiares monumentos, realizados con materiales combustibles (cartón, madera, etc.), que se montan en las plazas y en los principales cruces de calles de la ciudad de Valencia; se exponen al público durante varios días y se queman en la noche del 19 de marzo, festividad de San José.

La confección de los monumentos corre a cargo de los artistas falleros y son posibles gracias al esfuerzo de los vecinos de cada barriada que, agrupados en comisiones, trabajan durante todo un año para organizar la fiesta. Cada artista fallero elige la figura que considera más lograda del monumento que está construyendo y, unas semanas antes de proceder a la plantà de la falla (colocación en la calle), todos los ninots seleccionados se presentan en una exposición conjunta.

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Mediante una votación popular se premia aquel ninot que, por su belleza o su gracia e intención satírica, la vox populi considera merecedor del indulto del fuego. Los ninots premiados cada año (uno de las fallas grandes y otro de las infantiles) se incorporan al Museo Fallero, situado en un edificio anteriormente convento de los Padres Paules.

Este museo recoge los ninots más graciosos y mejor hechos de la historia de las Fallas desde 1934. En él se observa la evolución de los materiales (cera, cartón, poliéster, etc.), la evolución de la modelación, de los colores… Junto a las fotografías de las mejores fallas y los carteles anunciadores que han ganado el concurso anual, conforman sus fondos y el patrimonio de la cultura popular y de esta fiesta mayor que son las Fallas de Valencia. Un bonito “álbum familiar” de lo acontecido a lo largo de tantos años en la vida de las Fallas.

La temática de las fallas ha variado a lo largo de la historia. La característica peculiar de las fallas satíricas es la figuración de un hecho social censurable. Tienen un tema concreto y responden a una intención crítica o cuando menos burlesca. A diferencia de las simples hogueras y de las piras de trastos viejos, en ellas se representan escenas que aluden a personas, sucesos o comportamientos colectivos que los falleros consideran merecedores de corrección o dignos de irrisión. Dos temas ocuparon preferentemente a los falleros a mediados del siglo XIX: la falla erótica y la crítica social.

En un principio servían para criticar hechos que ocurrían en los barrios o temas de marcado carácter local. Pero poco a poco, y a veces a escondidas, empezaron a criticar personajes de relevancia local. Desde la Transición, las Fallas han tocado temáticas más globales y terminan criticando temas de la política y la sociedad local, autonómica, estatal y global. Sin embargo abundan las fallas que dedican sus críticas a temas banales como la televisión, los famosos y la prensa rosa.

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SAMUEL ARANDA: Realidad sin matices

El fotógrafo catalán Samuel Aranda (1979) ha pasado los últimos 15 años documentando los conflictos, la migración y las cuestiones sociales de todo el mundo. Habitualmente trabaja para The New York Times en el Medio Oriente y África, también ha firmado reportajes en Pakistán, Líbano, Egipto, Yemen, Colombia y China. Entre sus clientes se encuentran National Geographic, Sunday Times Magazine, GEO , Stern , Le Monde y El País.
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Sus imágenes de la crisis española , publicadas en The New York Times bajo el título: “En España, austeridad y hambre”, provocaron intensos debates políticos y pusieron sobre la mesa la realidad y la gravedad de los impactos del colapso económico de la clase trabajadora en España. Hay quienes dicen que las imágenes poseen ciertos sesgos y que no se muestra la realidad española en su totalidad, pero el autor es fiel a su política de plasmar lo que ve, donde lo ve.

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En 2006 , su reportaje sobre los inmigrantes africanos que intentan llegar a Europa fue galardonado con el Premio Nacional Español de Fotografía de ANIGP -TV.

En 2012 , fue galardonado con el World Press Photo del Año por una imagen de la revuelta yemení tomada mientras trabajaba para el New York Times.

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La foto premiada muestra a una madre cubierta por un velo integral de la que apenas vemos su nariz y las manos, enfundadas en guantes de látex, que sostienen a un familiar herido durante la represión de las manifestaciones en Yemen. Un instante de piedad, de ternura y de recogimiento, pero en el que la mujer aparece mostrando gran entereza. Lo cual contrasta con la imagen que tiene Occidente de la mujer árabe oprimida. Esta foto muestra algo diferente. En boca del propio Samuel: “Ella no llora ni grita, sostiene al familiar entre sus brazos mientras espera a ser atendida. Refleja la fortaleza de la mujer. No es tan raro. Creo que la imagen que tenemos en los países de Occidente de la mujer del mundo árabe como una persona oprimida no es del todo cierta. En Yemen, en la plaza donde se sucedieron las grandes manifestaciones, las líderes de la revolución son mujeres. En la sociedad yemení, son ellas las que realmente llevan el peso”.

En reiteradas ocasiones, Samuel Aranda, participa del debate, constante en la profesión, sobre el significado de la intervención del fotógrafo como persona que documenta una realidad. Según él mismo: “lo fundamental es que seamos conscientes de que lo importante no soy yo como fotógrafo. Es la mujer que fotografié, que muestra lo que está pasando en Yemen. Llevan un año de revolución, están machacados y nadie se acuerda de ellos”. Con humildad, Aranda piensa que existe el riesgo de poner la autoría por encima del periodismo. “Nosotros documentamos lo que pasa. No somos artistas ni creadores. Para mí, el fotoperiodismo es un oficio. Y creo que a veces nos olvidamos de ello, los fotógrafos corremos el riesgo de ser muy egocéntricos”.

Respecto a los medios de comunicación españoles, Aranda opina que “son los más maniatados del mundo. Son los medios con menor imparcialidad de cuantos conozco. Yo he visto cosas aquí que no he visto en EEUU, aquí está aceptado que los periódicos apoyen a un partido u otro. Y los periodistas lo tenemos asumido, interiorizado. En la prensa americana hay diarios conservadores y progresistas pero si sale a luz que unos soldados norteamericanos enviados por Obama han torturado a gente en Abu Ghraib, el ‘New York Times’ lo publica. No se les ocurre no publicarlo, o cambiar la versión para favorecer a Obama. A pesar de ser un diario progresista. Yo he arrojado la toalla con los medios de comunicación españoles, por muchos motivos. Por la línea editorial, por cómo nos tratan y por lo que nos quieren pagar. Es indignante.”

Sus fotografías han sido expuestas en la Fundación Telefónica (Chile), la Fundación Caixa (Brasil) , el CCCB (Barcelona) , La Virreina (Barcelona) , Visa pour l’image ( Perpignan) , Seda Road Gallery (Teherán) y en el Instituto Cervantes en Nueva York y Túnez.

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¿Conocíais a Samuel Aranda?

¿Pensáis que el fotoperiodismo debería tener más peso en los medios de comunicación?

¿Está el fotoperiodismo al servicio de las distintas corrientes políticas o se mantiene como una vía de representación objetiva de la realidad?

¿Qué opináis de que haya tenido que optar por trabajar para medios extranjeros dada la situación del sector en España?

Web Samuel Aranda

Entrevista a Samuel Aranda en la Ventana

Chat en “20 minutos”

EL GRAFFITI COMO PROTESTA SOCIAL: BANKSY

Banksy es el pseudónimo empleado por un prolífico artista de graffiti del street art británico, activista político y pintor, cuya identidad no está confirmada.

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Su arte urbano e iconoclasta, muestra en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias. Combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (o stencils en inglés) e instalaciones, situadas generalmente en calles, paredes o puentes de grandes ciudades como Londres o Nueva York; aunque la mayor parte de su obra se ubica en Bristol, ciudad que parece ser su lugar de origen.

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Banksy utiliza sus obras para plasmar comentarios políticos y sociales. Desnuda, con una increíble voluntad polémica y poética, muchos de los lugares comunes del capitalismo, creando una galería de imágenes en pos de las luchas sociales actuales y venideras. Utiliza su arte urbano y callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación.

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Pero Banksy también vende su obra a organizaciones benéficas como Greenpeace o a empresas como Puma y MTV, e incluso, vende cuadros en circuitos comerciales o en la galería de arte de su agente, Steve Lazarides, en el Soho londinense. Y es en este punto donde reside la contradicción de este artista, lo que ha suscitado cierta polémica y el nacimiento de opiniones encontradas sobre el compromiso ético de su trabajo. Hasta tal punto que otros artistas y activistas lo acusan de ‘vendido’, al incurrir en una evidente falta de coherencia, ya que por un lado se erige en contra el sistema capitalista que ahoga a la sociedad y por otro, se nutre del mismo.

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Cuando entramos a posicionarnos en esta relación de amor-odio, debemos ser cautos y considerar que, entre otras cosas, rentabilizar sus creaciones le permite financiar nuevos proyectos. Pues, en definitiva, es simplemente un artista que actúa como crítico de un sistema del que participa y alimenta, como hacemos todos. ¿Acaso el hecho de subsistir en el sistema capitalista nos quita derecho a ser críticos con el mismo?

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Dejando de lado la idoneidad o no de comerciar con un arte anticapitalista, técnicamente se trata de un talentoso artista del graffiti, con obras de un fuerte contenido social, ácidas, inteligentes y mordaces, merecedoras de reconocimiento. Banksy pone el dedo en la llaga y trata de sacarle los colores a un occidente acomodado que mira casi siempre hacia otro lado.

palestinechairs      trespassing

ENLACES:

ARTE CALLEJERO QUE VALE MILLONES

INSTAGRAM BANKSY

LA BANALIDAD DEL MAL A OJOS DE BANKSY

LA NIÑA DE BANKSY EN EL MURO PALESTINO

WEB DE BANKSY

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