La movida madrileña.

La movida madrileña fue un fenómeno artístico social que sucedió de una manera espontánea en la España que empezaba a dejar atrás el franquismo y caminaba hacia la transición. Más que un movimiento fue una suma de talentos y personajes que confluyeron en el Madrid de mediados de los 70, ávidos de expresarse al fin en un país que comenzaba a recuperar su voz, su identidad y su futuro.

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Se reconoce como pistoletazo de salida de la Movida al llamado “Concierto homenaje a Canito” en memoria de José Enrique Cano Leal, difunto batería de Tos (Los Secretos), que había muerto a consecuencia de un accidente de tráfico ocurrido en la Nochevieja de 1979. En dicho concierto, organizado desde los micrófonos de Onda 2, celebrado el 9 de febrero de 1980 en la Escuela de Caminos de Madrid, actuaron los citados Tos, Mermelada, Nacha Pop, Paraíso, Alaska y los Pegamoides, Trastos, Mario Tenia y los Solitarios y Los Bólidos.

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La movida es pues un fenómeno castizo cuyo espíritu liberador y creativo contagiará a otras ciudades españolas a comienzos de los 80. Se puede decir que nace en El Rastro y se propaga a través de salas de conciertos como MM, fiestas y reuniones privadas y en las inauguraciones de las galerías de arte. Así, músicos, pintores, fotógrafos, cineastas y diletantes van conformando una escena artística multidisciplinar en la cual las referencias culturales españolas, desde Picasso a Panero pasando por Sara Montiel, se mezclan con Warhol, el cine de John Waters, el glam rock, el punk y The Rocky Horror Picture Show.

La manifestación más conocida de la movida es la musical. Está representada por grupos como Kaka de Luxe, de donde saldrían a su vez Alaska y los Pegamoides, Zombies y Paraíso. Posteriormente, Radio Futura, Aviador Dro, Las Chinas, La Mode, Gabinete Caligari, Parálisis Permanente y Rubi y los Casinos, entre otros, concretaron una escena musical ligada siempre a otras disciplinas artísticas y que convivía con bandas como Nacha Pop, Los Secretos y Los Elegantes, que a su vez conformaban una escena estrictamente basada en lo musical. Tanto los artistas de una y otra escena se caracterizaban por utilizar el castellano para sus letras.

La pintura de Guillermo-Pérez Villalta, Sigfrido Martín-Begué, Ceesepe, Costus; la fotografía de Alberto García Alix, Ouka Lele, Pablo Pérez Minguez, Miguel Trillo; galeristas como Eugenia Suñer y Fernando Vijande; el cine de Iván Zulueta y de Almodóvar; todos ellos contribuyen a que Madrid se convierta en pocos años, en una ciudad de referencia. Un auge que toma su impulso final con la llegada en Octubre de 1982 del primer gobierno socialista del postfranquismo.

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El efecto de la movida madrileña no tardó en expandirse por otras ciudades. Los fanzines, los grupos compuestos por músicos amateurs con más ideas que técnica, los nuevos artistas plásticos aparecieron por Vigo, Barcelona, Valencia…

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Programas de televisión tan revolucionarios como La Edad de Oro y La Bola de Cristal acercaron el espíritu de la movida a los hogares españoles, mientras que revistas como La Luna y Madrid Me Mata le dieron un seguimiento. En 1986, cuando ya muchos de los músicos que la representaban (Dinarama, Gabinete Caligari, Loquillo, Radio Futura…), habían alcanzado el éxito comercial, y con el cine de Pedro Almodóvar convertido ya en emblema de esa nueva cultura española, la movida dejó de tener sentido como fenómeno y pasó a convertirse en una simple etiqueta de uso común. Para entonces, su legado cultural ya era incontestable. A pesar de ellos, los años han demostrado que este fenómeno cultural no ha tenido continuidad. Tan sólo algunos brotes aislados en la música pop, el diseño, el vídeo o el cine han desarrollado aquel espíritu. Durante los años 90, la movida fue repudiada e ignorada por las nuevas generaciones de músicos, y sólo a partir de los 00, cuando los adolescentes de aquellos años tenían ya un estatus social y económico, comenzó a ser revisada a través de libros, documentales, películas y reediciones. Una breve eclosión de creatividad que coincide con la primera legislatura del presidente Zapatero es identificada con el resurgir de los años de la movida, pero salvo algunos ejemplos muy concretos, no deja de ser un pequeño espejismo. Un fenómeno que confirma que la movida madrileña (y la española) fue un hecho inherente a un momento político y social muy concreto de este país.

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¿CONOCEIS A UNA NIÑA ARGENTINA LLAMADA “MAFALDA”?

El 29 de Setiembre de 1964 apareció por primera vez una tira de Mafalda. Su autor, Joaquín Salvador Lavado, Quino, no sospechaba entonces que las reflexiones puestas en boca de este personaje serían traducidas a 26 idiomas (desde el japonés, italiano y portugués, hasta el griego, francés y holandés), y que sus libros venderían, sólo en Argentina, 20 millones de ejemplares. Han pasado 50 años desde aquella historieta inicial y 40 desde que Quino la dibujó por última vez. Sin embargo, sigue tan vigente como entonces. Los diez únicos libros de la serie continúan reimprimiéndose una y otra vez en todo el mundo.

maf3La primera aparición pública de Mafalda tuvo lugar hace más de 50 años, el 29 de setiembre de 1964, en la revista “Primera Plana”, el flamante personaje que con los años se transformaría en un estandarte de lucha por la igualdad social -en tiempos en que la liberación femenina aún estaba en pañales-, llevaba sus polleras bien puestas.

“¿Por qué mujer? No lo sé. Al principio uno no se detiene a pensar en esas cosas?”, dice hoy Joaquín Lavado, Quino, el creador de Mafalda. El dibujante tampoco se había puesto a pensar, tres décadas atrás, que las ideas de esta niña tan ingeniosa como irreverente, tan reflexiva como contestataria, iban a recorrer el mundo. No sospechó que un día el escritor Julio Cortázar llegaría a decir: “No tiene importancia lo que yo pienso de Mafalda. Lo importante es lo que Mafalda piensa de mí”. Mucho menos que aunque la URSS haya desaparecido, lo mismo que Los Beatles y la guerra de Vietnam, el mensaje de Mafalda seguiría manteniendo la misma dosis de genialidad y, sobre todo, de actualidad. Quino jamás imaginó que ese ser diminuto y genial, con una inteligencia y sagacidad inmune a los razonamientos adultos y apenas rodeada de un apropiado universo infantil, elevaría la historieta a la categoría de “cuentos morales”.

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Con una exacta dosis de simpleza y profundidad, Mafalda se convirtió en el personaje de historieta que más significa hoy para los argentinos. Para Quino -dueño de una genuina modestia-, todo empezó por casualidad y sin que él se propusiera ninguna grandeza: “En realidad Mafalda iba a ser una historieta para promocionar una nueva línea de electrodomésticos llamada Mansfield. La agencia Agnes Publicidad le encargó el trabajo a Miguel Brascó, pero como él tenía otros compromisos, me lo pasó a mí. Esto fue en 1963. Pero la campaña nunca se hizo y las ocho tiras que dibujé quedaron guardadas en un cajón. Hasta que al año siguiente Julián Delgado, secretario de redacción de “Primera Plana”, me pidió una historieta. Entonces rescaté esas tiras y bueno, ahí empezó todo.

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El 25 de junio de 1973 apareció Mafalda por última vez. Puede decirse que ése fue el final oficial de la saga de la nena “ferviente antisopa” y sus amigos, ya que si después hubo otras apariciones, fueron discontinuas, para campañas de bien público o como un regalo personal que su creador, Quino, eventualmente entregaba a sus amigos. Eso no quita que desde aquella fecha numerosas publicaciones sigan reproduciendo a Mafalda en muchos países. Además, sus temas más recurrentes (los abusos de poder, las injusticias sociales, el autoritarismo), siguieron vigentes en los trazos de su autor, Quino, en casi todos sus chistes posteriores.

Quino fue preparando el terreno de la despedida así: en el número del 18 de junio de 1973, la chismosa Susanita contaba al lector: “Ustedes no digan nada que yo les dije, pero parece que por el preciso y exacto lapso de un tiempito los lectores que estén hartos de nosotros van a poder gozar de nuestra grata ausencia dentro de muy poco”. El remate llegaría una semana después; esa tira final no tenía cuadros, todo el espacio lo ocupaban Mafalda y su pandilla, a excepción de Susanita. Tomaba la palabra Mafalda: “Dice el director que bueno, que a partir de hoy podemos darle un descanso a los lectores, pero que si alguno de nosotros se mudare, trasladare y/o apareciere en otra revista y/o diario, él a patadas nos agarrare”

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PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA HUMANITARIA LUIS VALTUEÑA

Luis Valtueña (Madrid, 1965 – Gatonde, Ruanda, 18 de enero de 1997) fue un fotógrafo español, miembro de la agencia Cover, que colaboraba con la ONG Médicos del Mundo. Murió en Ruanda cuando trabajaba para esta organización.

Fotógrafo de la agencia Cover, entre los años 1989 y 1990 trabajó para el magazine del periódico El Mundo y posteriormente dirigió el departamento de fotografía del canal televisivo Antena 3 y participó en la redacción de la revista fotográfica FV Actualidad. En 1996 comenzó a trabajar como logista para Médicos del Mundo en el Líbano y finalmente fue enviado a Ruanda.

El Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña se falla anualmente en España, convocado por Médicos del Mundo. El premio rinde homenaje al fotógrafo Luis Valtueña y a los cooperantes Flors Sirera y Manuel Madrazo, asesinados todos ellos por extremistas hutus cuando trabajaban con Médicos del Mundo en Ruanda en 1997, así como a Mercedes Navarro, asesinada en Bosnia en 1995 cuando colaboraba también con esta organización. El premio tiene como objetivo fomentar valores humanitarios y servir de testimonio y denuncia de las situaciones en las que se encuentran los grupos más vulnerables del mundo.

Los galardonados en los últimos años han sido:

2014 (XVII): Niclas Hammarström;

2013 (XVI): Olmo Calvo;

2012 (XV): Alessandro Grassani;

2011 (XIV): Fernando Moleres;

2010 (XIII): Francesco Cocco

La fotografía ganadora en este año ha sido realizada por José Palazón que recogió en octubre una instantánea viral llamada “Paisajes desolados”, en la que aparecían un grupo de inmigrantes encaramados a la valla de Melilla y dos jugadores de golf practicando el deporte, aparentemente impasibles, al otro lado de la valla.

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Otras fofotgrafías finalistas.

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“Como los de Fuente Ovejuna, todos a una”

Fuente Ovejuna (1619) es una obra de teatro barroco, de Lope de Vega, en la que el pueblo se levanta contra la injusticia y los abusos de poder. Según el crítico literario Menéndez Pelayo, “no hay obra más democrática en todo el teatro castellano”.

La obra se basa en un episodio histórico que ocurrió en Fuente Ovejuna, un pueblo cordobés en 1476. Es la época de la reconquista y de la sociedad feudal tardía. Este pueblo es sometido no a la monarquía sino a la Orden de Calatrava.

El Comendador del pueblo, Fernán Gómez de Gúzman, no respeta las leyes y abusa de su poder, traicionando los principios feudales y comportándose como un tirano. No sólo traiciona al pueblo, sino también a los Reyes Católicos, cuando decide atacar Ciudad Real. Tras una dura batalla, conquista dicho pueblo para el bando de Juana la Beltraneja.

Mientras tanto, Laurencia, la hija del alcalde, le dice a una amiga que el Comendador, que ya tenía fama de aprovecharse de las mujeres del pueblo, le había propuesto a Laurencia ser amantes, pero ella lo rechazó.

Los Reyes Católicos se enteran de que la Ciudad Real ha sido conquistada por las tropas del Maestre de Calatrava y de Fernán Gómez y deciden enviar sus tropas a Ciudad Real para derrotar a los de Calatrava y retomar la ciudad.

El Comendador se encuentra por casualidad con Laurencia y trata de llevarla a su palacio a la fuerza. En ese momento llega Frondoso, que está enamorado de Laurencia, y la rescata, apuntándole su ballesta al Comendador. Tras este suceso, el Comendador está furioso por el rechazo de Laurencia y quiere detener a Frondoso por haberlo amenazado con la ballesta. Además, recibe la noticia de que los Reyes Católicos han retomado Ciudad Real.

Frondoso le pide la mano a Laurencia y ella lo acepta, pero en medio de la celebración de la boda, llega el Comendador y detiene a los novios.

El pueblo, ya harto de los robos, atropellos y crueldades del Comendador, decide unirse y tomar la justicia por su mano. Una noche llegan al palacio, invaden su casa y lo matan en nombre de Fuente Ovejuna y de los Reyes Católicos.

En el juicio, cuando el juez les pregunta quién mató al Comendador, todo el pueblo responde: “Fuente Ovejuna, señor”. El pueblo pide el perdón real y los Reyes Católicos absuelven el pueblo, porque es imposible determinar la identidad de los culpables concretos, e incorporan la villa a la corona.

En esta tragicomedia hay dos líneas narrativas paralelas: los abusos del Comendador en el pueblo, y su deseo de conquistar Ciudad Real. En el desenlace, las dos acciones se unen cuando el pueblo gana el juicio y los Reyes Católicos retoman Ciudad Real e incorporan Fuente Ovejuna a su reino.

La obra consta de tres actos. En el primer acto triunfa el bien cuando Frondoso logra rescatar a Laurencia y se enfrenta al Comendador. En el segundo triunfa el mal cuando el Comendador interrumpe la boda y lleva a los novios presos. En el tercer acto vuelve a triunfar el bien cuando el pueblo derrota al Comendador y los Reyes los perdonan.

En cuanto al estilo, el lenguaje de los personajes refleja su condición social. Lope de Vega emplea una variedad de métricas, que son en su mayoría de arte menor, como las redondillas y los romances.

Entre las características barrocas de esta obra, destacan la corrupción del Comendador y el desencanto del pueblo, así como la desmesura y violencia exagerada con la que el pueblo asesina al Comendador, poniendo su cabeza en la punta de una lanza.

Temas:

El poder colectivo: El personaje más importante de esta obra es de carácter colectivo. Si el pueblo no se hubiera unido en contra del Comendador, no hubiera podido derrotarlo y recibir el perdón real. La unificación del pueblo refleja la unificación de España bajo los Reyes Católicos.

El abuso del poder y la traición: El Comendador abusa de su poder para aprovecharse de las mujeres de la villa, traicionando a la gente de su pueblo y el ideal del caballero medieval. También traiciona a los Reyes Católicos al tratar de apoderarse de Ciudad Real y al intentar convencer al Maestre de Calatrava a que tome armas contra el Rey.

Defensa de la monarquía: En esta época el viejo sistema feudal se está cediendo paso a una monarquía fuerte. Lope defiende la monarquía y representa a los Reyes Católicos como vigorosos y sabios.

El honor: Las gente sencilla de la villa encarna los valores fundamentales de la vida honrada. Laurencia prefiere conservar su honor al ser amante del Comendador, a pesar de las promesas que le hace. El Comendador se burla de la idea que la gente sencilla pueda tener honor, por lo que la obra pone en evidencia que la nobleza no equivale al honor.

El amor: El amor verdadero de Frondoso y Laurencia contrasta con la lujuría del Comendador que quiere abusar de Laurencia.

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RAMÓN J. SENDER: ESCRITOR EXILIADO.

Ramón J. Sender nació en Chalamera de Cinca (Huesca) el 3 de febrero de 1901 y murió en San Diego (California), 81 años después, el 15 de enero de 1982. Atrás quedaba una vida comprometida, un exilio primero obligado y luego voluntario y una obra extensísima, de más de 100 títulos. Fue un escritor que pasó la mayor parte de su vida en el exilio y que sufrió los vaivenes de la crítica.

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Antes de la Guerra Civil publicó algunos títulos importantes. Podemos empezar mencionando Siete domingos rojos, en donde trataba los problemas del sindicalismo en España y O.P. las siglas de Orden Público, centrado en los problemas de las huelgas y reivindicaciones obreras. En el 30 publicaba Imán, visión realista de la Guerra en Marruecos. Sender fue corresponsal de guerra y da una visión descarnada y realista de los hechos. En 1935 ganó el Premio Nacional de Literatura con una novela histórica esencial, Mr. Witt en el cantón, que se centra en el movimiento cantonalista de Cartagena a finales del XIX, a la vez que reflexiona sobre el significado político del hecho.

En 1936, con el estallido de la Guerra Civil española, R. J. Sender se mantuvo en el bando republicano, como Jefe de la Brigada Mixta en Seseña (Toledo). Empiezan los tiempos difíciles. Su mujer fue fusilada en Zamora, con dos hermanos, Saturnino y Antonio. Sus hijos, de corta edad, fueron evacuados a Francia por la Cruz Roja Internacional y su hermano Manuel fue fusilado en Huesca. En 1939, Sender, desde Francia, con sus hijos, embarca rumbo a Estados Unidos para dirigirse después a México. Vive su exilio, al principio de un modo difícil, pero, poco a poco va siendo reconocido y se va abriendo camino. Sigue publicando obras importantes que tardan en aparecer en España debido a la censura, pero finalmente, lo hacen: Crónica del alba, El bandido adolescente, Las criaturas saturnianas.

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Su obra emblemática, Réquiem por un campesino español, que apareció en México con el título primero de Mosén Millán, es una de sus mejores obras. Réquiem por un campesino español recoge un episodio dramático del principio de la guerra civil en un pueblo aragonés. Mosén Millán está preparando una misa de difuntos por el alma de un campesino a quien quiso mucho y a quien denunció sin quererlo a los fascistas que protegen la tierra del Duque. Mientras aguarda a los escasos asistentes, el Mosén recuerda a manera de flash-back- los momentos importantes en la vida de Paco, sus ideas liberales, su lucha por la tierra, su encuentro con la pobreza, el inicio de la guerra y todos los desencadenantes que le llevarán a ser ejecutado. El relato, a pesar de ser una crítica contra el alzamiento fascista, está cargado de un gran simbolismo, es intenso y de una estremecedora sobriedad.

Aquí os dejo un fragmento de la película.

El cine de Charles Chaplin

Charles Spencer Chaplin nació en Londres en 1889. Su padre, Charles Chaplin, era un actor de origen judío, un virtuoso del violonchelo, alcohólico, abandonó a sus hijos y murió muy joven. Su madre, Hannah cantante y bailarina, era una actriz de poca monta, alcohólica, se hizo cargo de los dos hijos, Sydney y Chaplin. Charles sustituyó a su madre en el teatro un día en que esta se puso afónica. Con la misma canción que cantaba su madre, a los cinco años, Charles tuvo un éxito memorable. Desde ese día actuó Charles y dejó de actuar su madre (Taylor, 1993. Esto le permitió en pocos años hacerse con una gran capacidad interpretativa para la comedia y la mímica

Casi desde sus comienzos creó el famoso personaje del vagabundo, conocido por ‘Charlot’, que le hizo mundialmente famoso. ‘En esa figura se funden otras muchas: (Fernández-Santos 1997) la del judío errante, la del pícaro enamoradizo, la del bandido generoso, la del apátrida ‘sentimental, la del golfo enamorado, la del mendigo dandy, la del artista de la supervivencia, la del exiliado perpetuo y otras cristalizaciones de la metáfora bíblica de la sal de la tierra, es decir: la revulsiva, irresistible y confortadora gracia de esa casta de individuos que, expulsados de la colectividad porque no saben ceder a ésta un milímetro del territorio de su independencia, convierten su soledad en su pueblo’.

El mismo Chaplin dio a su personaje del vagabundo, que le acompaño desde sus primeros tiempos hasta la película Tiempos Modernos (Modern Times, 1940), el vestuario y maquillaje que lo identifica. Estaba formado de prendas de vestir prestadas o apropiadas de otros actores. Las botas de Sterling, tan grandes que para llevarlas se las tenía que colocar en el pie que no correspondía, los grandes pantalones del gordísimo Fatty Arbuckle, el sombrero hongo del suegro de Arbuckle, que tenía la cabeza muy pequeña, una estrecha chaqueta de Charles Avery, y el bastón que hacía tiempo el mismo Chaplin manejaba con soltura. Acompañados del bigotito cortado bajo la nariz, el personaje se hizo característico y fue desarrollado y perfeccionado a lo largo de los 22 años siguientes.

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Las críticas del puritanismo norteamericano, producidas por los contenidos o trasfondos sociales de las películas de Chaplin, se vieron incrementadas notablemente con la película El gran dictador (The Great Dictator, 1940), una sátira contra las dictaduras, en la que personifica caricaturescamente a Hitler. El mismo Chaplin comentó posteriormente que si hubiera sabido en aquello momentos la verdad sobre los campos de concentración y el exterminio nazi, nunca hubiera osado realizar la película. Las campañas de descrédito contra Chaplin se agudizaron a partir de la película Monsieur Verdoux, en 1947, sobre un cínico personaje que emulando a Barba azul se dedicaba a enamorar mujeres para quedarse con su dinero después de asesinarlas y mantener así a su familia. El trasfondo comparativo entre los crímenes de Verdoux y los que hacían los aliados en la guerra fría no gustó demasiado a las autoridades y a los patriotas americanos, y Charles Chaplin se exilió de los Estados Unidos en 1953.

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